Del 8 al 12 de agosto se realizará Lima Photo 2012, feria de arte especializada en fotografía contemporánea, en el Centro de la Imagen de Lima, Perú.
Entre los espacios seleccionados, participará por segunda vez consecutiva la productora de arte Rolf Art que estará presente en el stand 18 de la mano de seis destacados artistas visuales argentinos: Nicola Costantino, Ananké Asseff, Gabriel Valansi, Graciela Sacco, Res y la propuesta emergente de Livio Giordano.
La selección de obras de este proyecto, a cargo de Florencia Giordana Braun, atiende tanto a la sensibilidad artística como a las estrategias formales utilizadas por los artistas. El enfoque curatorial de la propuesta de Rolf Art para Lima Photo 2012 (stand 18) se apoya en la insistencia de buscar en la fotografía una unión indisoluble entre densidad crítica y valor estético. Las obras presentadas operan sobre niveles discursivos que exceden la representación y aportan una mirada muy propia sobre su contexto de producción, reflexionan sobre sus condiciones y sobre sus códigos de representación e interpretación.
De ese modo la obra de Nicola Costantino dialoga con la historia del arte y la posibilidad de apropiaciones y reinterpretaciones encarnando distintas personalidades. Ananké Asseff con un tratamiento autoreferencial, siendo el centro de la imagen y cuerpo de denuncia, toma riesgos para cada toma apelando a la confidencia respecto de la violencia subyacente en la sociedad actual. Indagando la estética que se desprende de la extrema violencia, de los enfrentamientos bélicos y su pregnancia en un imaginario colectivo, Gabriel Valansi aborda el punto de tensión donde la belleza traba una íntima relación con lo terrible. Explorando el concepto de caos en contraposición con el orden, Graciela Sacco trabaja estos opuestos a nivel formal y conceptual. En una reconstrucción de una violenta campaña por construcción de la nacionalidad argentina, Res ubica el discurso, una consigna de resistencia indígena, en el foco de la escena devolviéndolo al paisaje de donde fue arrebatado. Por su parte, Livio Giordano trabaja sobre la desmaterialización del espacio urbano, que lo conduce a una negación poética de la realidad para explorar ciertas verdades interiores.
La intención de esta propuesta es escapar a la indiferencia y apelar a la reflexión, la crítica y la consideración sobre las realidades que nos habitan. La tendencia de esta selección de obras presupone que el contexto es un factor decisivo para la interpretación de la obra.
Rolf Art se proyecta como ventana y punto de encuentro para propuestas dinámicas de arte latinoamericano contemporáneo. Con dos años de vida como productora de arte, dirige la carrera artística de un selecto grupo artistas consagrados y emergentes dentro del contexto nacional e internacional.
Sostiene la producción y promoción de sus obras, la dirección de proyectos; junto a la producción y a la promoción de ediciones de artistas tanto editoriales como audiovisuales.
Rolf Art stand Nº 18
Lima Photo 2012
Feria de Arte especializada en fotografía.
Del 8 al 12 de agosto
Centro de la imagen
Lima, Perú
Artistas expuestos:
Graciela Sacco 1956, Santa Fe, Argentina. Representó a la Argentina en varias Bienales internacionales incluyendo Venecia 2001, La Habana 1997 / 2000, Mercosur 1997 y Sao Pablo 1996. También fue invitada a la Bienal de Shanghai 2004.
Ha sido galardonada con numerosos premios y distinciones como Artista del año por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2001), Premio Konex (2002 - 2012). Su obra integra importantes colecciones: Bronx Museum (Nueva York), MFAH (Houston), MAMBA (Buenos Aires), The Microsoft Art Collection (Washington), entre otras.
La propuesta de la artista en esta obra trabaja en el equilibrio inconstante entre orden y desorden. La exploración con los materiales, propia del trabajo de Sacco, responde a una búsqueda precisa por un soporte que acompañe la imagen fotográfica impresa.
En este caso, el caos de la disposición de los palos de madera requiere del observador una mirada sistemática que ordene el conjunto. Una vez restaurada la imagen, el observador descubre que se trata de una escena de desorden social que, mediante la denuncia, busca la posibilidad de un orden. La artista apunta a mostrar aquellas situaciones sociales irresueltas en un mundo que le está dando letra permanentemente.
Gabriel Valansi 1959, Buenos Aires, Argentina. Artista visual y fotógrafo. Utiliza diversos soportes como el video, la instalación y la fotografía. Además, cuenta con estudios de física e ingeniería.
Ha sido galardonado con numerosos premios y distinciones como Artista del año por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2003). Su obra integra importantes colecciones: MAMBA (Buenos Aires), MEC (Córdoba), MFAH (Houston), Museo de Arte Moderno (San Pablo), Museo de Arte Moderno (Río de Janeiro), Archivo de la Biblioteca Nacional (París), Casa de las Américas (La Habana), entre otras.
Su obra aborda la tendencia a la auto destrucción del hombre. La guerra, tomada no desde el horror explícito, sino desde imágenes que ya están creadas por la sociedad. Valansi investiga documentación de guerras, utilizando imágenes de archivos desclasificados, imágenes que procesa e interlaza digitalmente para lograr una obra que pone en evidencia una tensión, un clima. Esto justamente es lo que causa el terror. Un terror solo comparable al que produce la tragedia ante la presencia de fuerzas ingobernables de las que los hombres somos responsables.
En palabras del artista "podría decir que la idea y la energía que sostiene el fenómeno de la guerra es el común denominador de gran parte de mi obra. La estética que se desprende de la mediatización de estos hechos y la materialidad de estas imágenes antes de constituirse en parte del imaginario visual. (...) Me interesa transitar ese campo relacional que existe entre la estética que se desprende de los hechos bélicos y de extrema violencia y su pregnancia en un imaginario colectivo, en particular en ese punto en donde la belleza traba una íntima”.
Res 1957, Córdoba, Argentina. Fotógrafo. Ha realizado numerosas exposiciones a nivel nacional e internacional. Su obra integra importantes colecciones: Chrysler Museum of Art (Virginia), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), MAMBA (Buenos Aires), MACRO (Rosario), MEC (Córdoba), Vero Beach Museum of Art (Florida), Fundación Banco Ciudad (Buenos Aires), Fundación OSDE (Buenos Aires), Fundación Telefónica (Buenos Aires), entre otras.
La obra “No entregar Caruhé al Huinca” consiste en veinticuatro imágenes en blanco y negro en las que el fotógrafo interviene el paisaje local con letras que forman la consigna del cacique Calfucurá antes de morir.
Res recupera el discurso aborigen luego del fin de la confederación de tribus y lo devuelve al paisaje que le fue arrebatado. Res hizo con su cámara el itinerario de la Campaña del Desierto, encontró allí la soledad, la dilatada soledad de una pampa sin indios ni lanzas en alto. Sin soldados ni carretas. Apenas las frías imágenes de silos, edificios, monumentos. La tierra sin relieves, los ríos oscuros y calmos.
Las letras que componen la consigna de resistencia, "No entregar Carhué al Hunica" flotan enormes, fantasmagóricas, como si hubieran permanecido en el desierto a modo de mandato histórico contra el terror y la discriminación.
La documentación fotográfica de res indaga en el contexto del fin de la conquista y funciona como testimonio documental del encuentro real entre conquistadores y conquistados, al tiempo que deja una huella de la acción del artista en el paisaje. La técnica de la fotografía se establece como dispositivo del poder, subsanando el olvido, restaurando un discurso y devolviéndolo al paisaje en donde nació.
Ananké Asseff 1971, Buenos Aires, Argentina. Artista visual. Su obra forma parte de las Colecciones de la Tate Modern (Londres), Museo de Arte Moderno (Río de Janeiro), MAMBA (Buenos Aires), Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires), Museo Castagnino (Rosario), MACRO (Rosario), Centro Nacional de Exposiciones (Buenos Aires), MEC (Córdoba), Fundación OSDE (Buenos Aires), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), entre otras.
La mayor parte de su cuerpo de obra se ha plasmado en soportes como la fotografía, video y videoinstalación. Con un tratamiento auto referencial, en donde Ananké el centro de la imagen y cuerpo de denuncia tomando riesgos para cada capturación, ha generado trabajos confidentes respecto de la violencia subyacente en sociedad actual.
Bardo (que en lengua tibetana significa transición) deviene de “Corrimientos”, de correrse de un lugar, de salir del centro de la imagen para trasladarse a segundos planos, planos abiertos, hasta desaparecer su retrato casi por completo de la obra.
Esta serie sugiere cambios, desplazamientos y temores. El movimiento en la imagen, el desplazamiento de su persona, el paso a un tercera dimensión. El temor, el miedo edificado, tal vez inventado, la inseguridad que conmueve y la angustia ante lo desconocido. Ananké los configura a través de una mirada sobre lo sentido y un juego entre la ilusión, la fantasía y la construcción.
“Los cambios se manifiestan con fuerza, las resistencias se manifiestan con violencia”. Ananké Assef.
Nicola Costantino 1964, Rosario, Argentina. Cursó su carrera en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Rosario, con especialización en escultura. Fue durante la Bienal de San Pablo, en 1998, con “Peletería Humana”, donde su obra le abre un reconocimiento internacional. En 2003 participó de la Bienal de la Habana. Su obra forma parte de importantes colecciones: MOMA (Nueva York), MOCA (Los Angeles), The Blanton Museum of Art (Texas), MAMBA (Buenos Aires), MALBA (Buenos Aires), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Daros Latinoamérica (Suiza), entre otras.
Su obra expone preguntas elementales sobre la identidad personal, en especial la identidad femenina, como también sobre la ambivalencia extrema entre comportamientos y actitudes sociales codificadas. En una tradición cada vez más anticuada, la femineidad se asocia con belleza y moda, con cuidado, interés emocional y embarazo. Costantino retoma el topos de femineidad en diferentes niveles y con diversos medios para apartarlo con estrategias expertas surrealistas de distanciamiento y reflejarlo de forma irritante. Ella se mueve en imaginaciones del cuerpo contradictorias, entre la atracción y la repulsión, la elegancia y el asco y, de este modo, se acerca a zonas de vulnerabilidad y mortalidad.
Durante los últimos años, Nicola Constantino ha enfatizado su trabajo fotográfico, medio con el que registra distintas acciones performáticas. Este es el caso de “Nicola Satírica”, fotografía en la cual se cita una reconocida imagen de Kertesz, “Danseuse burlesque”. Siguiendo este perfil, pionera en personificaciones, realiza una serie de escenas que remiten a la historia del arte, a la fotografía y también al cine.
Siendo sus trabajos autorreferenciales, encarna distintas personalidades casi camaleónicamente, plasmando una excentricidad ilimitada y dejando en claro la ruptura de los mandatos culturales, sociales y éticos de los que se encuentra rodeada.
Livio Giordano 1972, Buenos Aires, Argentina. Fotógrafo, realizó numerosos talleres y seminarios de formación artística en esta disciplina. En el año 2008 realizó una residencia en la École Nationale Supérieure de la Photographie en Arles, Francia
Realizó numerosas muestras entre las que se destacan: Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires), MACRO (Rosario), Museo Eduardo Sívori (Buenos Aires). Puces de Saint–Ouen (París). Obtuvo premios y menciones en: LXIV Salón Nacional de Rosario. 97º Edición - Salón Nacional de Artes Visuales.
Mención de La Academia Nacional de Bellas Artes La obra de Giordano enfoca las extrañezas que rodean lo cotidiano, explora y pone en evidencia los espacios que nos rodean para demostrar de algún modo la subjetividad de la proyección mental. Con el fin de desafiar la automatización de gestos, miradas, costumbres, la fotografía de Giordano expone una realidad que está presente pero que muchas veces se pasa por alto.
Para mayor información:
Rolf Art
C. +5491160926624
W. www.rolfart.com.ar
