Organizada por Whitechapel Gallery, Londres
El sábado 14 de marzo de 2009, a las 14 horas, Fundación PROA inaugura la exposición “Art in the Auditorium”, organizada por Whitechapel Gallery de Londres.
“Art in the Auditorium” es el nombre elegido por Whitechapel, que convocó a ocho instituciones internacionales para formar parte de este proyecto. “El concepto de auditorio remite al lugar desde donde el espectador mira. En el mundo contemporáneo, cualquier espacio de exhibición puede transformarse en un auditorio”, explica Adriana Rosenberg, presidente de FUNDACIoN PROA, la institución argentina convocada por Whitechapel.
Los museos y centros de arte que participan son:
Whitechapel Gallery (Londres, Inglaterra)
Fundación PROA (Buenos Aires, Argentina)
Ullens Centre for Contemporary Art (Beijing, China)
Ballroom Marfa (Texas, Estados Unidos)
Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, GAMeC (Bergamo, Italia)
Henie Onstad Kunstsenter (Hovikodden, Noruega)
Moderna Museet (Estocolmo, Suecia)
Kunsthaus Zürich (Zurich, Suiza)
The Institute for the Readjustment of Clocks, albergado por the Koç Foundation (Estambul, Turquía)
Cada uno de los centros de arte fue invitado a presentar videos de un artista local. El resultado es un núcleo de trabajos que constituyen un amplio panorama del video en la actualidad.
Los artistas seleccionados son:
Lene Berg (Noruega) , Nathalie Djurberg (Suecia), Leandro Erlich (Argentina), Wang Jianwei (China), Ömer Ali Kazma (Turquía), Shahryar Nashat (Suiza), Cornelia Parker (Inglaterra), Diego Perrone (Italia), Ryan Trecartin (Estados Unidos).
Desde mediados de 2008, se comenzaron a exhibir las obras. Cada institución eligió el diseño expositivo, en función de su propia interpretación acerca del concepto de auditorio.
En la presentación en Buenos Aires, los videos se exhiben simultáneamente en las salas. El objetivo es incorporar un espacio de reflexión y debate, y ofrecer un panorama de las diferentes opciones con las que cuentan e investigan los artistas en la actualidad. El diseño expositivo es audaz y ofrece diferentes formas de contemplación de las obras, incorporando la relación del espectador con la imagen y recreando el concepto de auditorio.
Fundación PROA seleccionó el video de Leandro Erlich El consultorio del Psicoanalista (2005), que documenta la instalación que lleva el mismo nombre y el devenir de las acciones performáticas del público en su interior. Para enriquecer la participación local y reflexionar acerca del backstage del video, se presenta por primera vez en nuestro país la instalación El consultorio del Psicoanalista.
Fundación PROA convocó a Rodrigo Alonso, licenciado en Artes y especialista en nuevos medios, para que aporte datos históricos sobre el desarrollo del video, desde sus orígenes hasta la actualidad. Como marco teórico y de investigación de la disciplina, Alonso presenta una línea de tiempo y un núcleo de libros e imágenes, además de un ciclo de conferencias y charlas.
La exhibición de video contemporáneo “Art in the Auditorium” estará abierta al público a partir del sábado 14 de marzo de 2009, en Fundación PROA, Av. Pedro de Mendoza 1929, La Boca, Buenos Aires.
El horario es de martes a domingo de 11 a 20 horas (ingreso hasta las 19 horas). La admisión es de $ 10 (general), $ 6 (estudiantes) y $ 3 (jubilados).
Cumpliendo con el objetivo de profundizar los temas de nuestro mundo contemporáneo, Fundación PROA diseñó un programa educativo y un ciclo de actividades paralelas que se puede consultar en nuestra web: www.proa.org
Visitas guiadas
El Departamento Educativo de FUNDACIoN PROA realizará actividades educativas grupales, en castellano y en inglés. Además, se ofrecen visitas para grupos de estudio, corporativos e instituciones. Para más información:
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/ [54-11] 4104 1041
Los Artistas
Leandro Erlich / Argentina
Presentado por Fundación PROA
Buenos Aires, Argentina
www.proa.org
Leandro Erlich nació en Buenos Aires en 1973. Vive y trabaja en Buenos Aires. Los temas recurrentes en su obra son la realidad y la apariencia, lo ilusorio y el extrañamiento. Sus trabajos alteran el campo perceptivo, exigen concentración y sacuden al espectador. Desde hace más de diez años, exhibe internacionalmente su obra. Actualmente, está presentando una instalación en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid.
Sinopsis del video
El consultorio del Psicoanalista
(2005, 2’ 20’’)
La acción se desarrolla en dos espacios separados por un vidrio: una sala de psicoanalista –con muebles y objetos que la identifican como tal– y un sitio vacío con algunos cubos, al que el espectador ingresa. Cuando el espectador se sienta en esos cubos, su imagen se ve reflejada –a través del vidrio– sobre algún objeto real de la otra sala (en las sillas del psicoanalista o del paciente). El público toma el rol de performer y el video permite experimentar cómo se articula la obra a través de la interacción del público. Además, se exhibirá por primera vez en Buenos Aires la instalación.
Fragmentos del texto curatorial
Por Debbie Grimberg, FUNDACIÓN PROA
“El artista nos sumerge en un juego donde lo virtual y el simulacro son la posibilidad de interactuar con lo propiamente establecido, y donde lo aparente puede ser modificado a través de la experiencia. Erlich tiene en sus manos la habilidad de transportar al observador a través de diferentes dimensiones, ofreciéndole la posibilidad de sumergirse en cada una de ellas, para finalmente volver -a través del juego y los objetos de uso corriente- a lo real”.
“En los videos se desarrollan situaciones cotidianas que a simple vista parecen comunes, pero que posteriormente permiten una experiencia que conlleva extrañamiento y asombro; en ambos el artista desarrolla la idea de duplicado, de espejo, que no siempre es lo mismo, ni el reflejo idéntico de lo otro. La obra de Erlich incorpora un juego con lo aparente, y a través de esa apariencia, se cuestiona lo evidente y común”.
Cornelia Parker / Inglaterra
Presentada por Whitechapel Gallery Londres, Inglaterra
www.whitechapel.org
Cornelia Parker nació en 1956 en Cheshire, Inglaterra. Vive y trabaja en Londres. Estudió en Gloucestershire College of Art and Design, la Wolverhampton Polytechnic y en la Reading University.
Es reconocida por sus obras a gran escala, además de su serie en formato pequeño. Su trabajo se caracteriza por una indagación forense que con frecuencia saca a la luz materiales ignorados u olvidados para transformarlos, reactualizando el sentido tanto de objetos antiguos como actuales y cotidianos.
Sinopsis del video
Chomskian Abstract
(Abstracto Chomskiano, 2007, 40’)
Es una entrevista que Cornelia Parker le hizo al reconocido teórico Noam Chomsky. En el video, sólo se escuchan las respuestas a las preguntas de Parker, precedidas por silencios. El ganador del Premio Nobel habla del fracaso de los gobiernos, las corporaciones, las instituciones y los medios de comunicación para cuidar el planeta. Además, Chomsky nos exhorta a asumir nuestra propia responsabilidad, a modificar nuestro estilo de vida y a dar lugar al cambio socioeconómico.
Fragmentos del texto curatorial
Por Anthony Spira, Whitechapel Gallery.
“La respuesta humana a los fenómenos cósmicos y naturales siempre ha fascinado a Cornelia Parker. En una reciente trilogía de películas titulada Old Faithful, Parker desvía la cámara del famoso geiser del Parque Yellowstone, Wyoming, para capturar en cambio a los expectantes visitantes con sus cámaras listas, anticipándose con excitación a la erupción natural de agua. La cruda y desbocada fuerza de la naturaleza llamó luego la atención de la artista hacia el calentamiento global, que ella llama ‘el apocalipsis silencioso… la creciente posibilidad de que hacia fines del presente siglo, el planeta sea incapaz de sustentar la vida humana’.
En un intento de involucrarse en su trabajo con los problemas éticos y políticos del momento, Parker entrevistó recientemente a Noam Chomsky, y produjo un video a pedido de la Bienal de Sharjah.”
“La cámara, estática, fija en un ángulo único el primer plano del filósofo, invita a realizar un escrutinio profundo de su icónica figura al parpadear, mojarse los labios, inclinarse hacia adelante para escuchar mejor una pregunta, asentir y acariciarse la barbilla”.
Wang Jianwei / China
Presentado por Ullens Center for Contemporary Art
Beijing, China
www.ullens-center.org
Wang Jianwei es uno de los más reconocidos artistas conceptuales de su país. Nació en 1958, en la provincia china de Sichuan. Luego de haber trabajado en pintura al óleo durante muchos años, reorientó su trabajo hacia las performances, las video instalaciones, las obras teatrales y los documentales. Jianwei aplica a su trabajo un método antropológico, que utiliza para construir un inventario visual de la sociedad china urbana y su evolución. Sus videos varían desde estilos documentales hasta producciones más bien teatrales, y muchas veces explora las relaciones de poder dentro del cambiante clima social y político de su país. Fue el primer artista chino en participar en la Documenta de Kassel, Alemania (1997).
Sinopsis del video
Symptom
(Síntoma, 2007, 33’)
Es una de las últimas obras en video de Jianwei. Puede ser interpretada como una monumental pintura viviente que muestra a China como un lugar habitado por fantasmas, con una serie de espacios asincrónicos que coexisten y colisionan en un mismo escenario.
Fragmentos del texto curatorial
Por Anselm Franke, Ullens Centre for Contemporary Art.
“... como Wang JianWei se propone constantemente explorar nuevas formas de expresión, de medios y de contextos, su trabajo no puede ser categorizado y clasificado con facilidad por los espectadores y los medios de comunicación, lo que hace aún más necesaria una valoración institucional de su trabajo. No puede ser reducido a cierta ‘marca’ o a un conjunto de referencias icónicas, algo tan característico del arte chino actual, especialmente el todavía influyente y así llamado Mao Pop, en irónica referencia a la propaganda de la Revolución China”.
“A la luz de todo esto, seremos capaces de ver a Wang Jianwei como un cronista de la sociedad china, así como la forma en que se relacionan los diversos géneros de los que se sirve el artista. Yo sostengo que la distinción entre lo documental y el teatro, por ejemplo, en el caso de JianWei deja de tener sentido”.
Shahryar Nashat / Suiza
Presentado por Kunsthaus Zürich Zurich, Suiza
www.kunsthaus.ch
Shahryar Nashat nació en Ginebra en 1975, y actualmente vive y trabaja en Berlín. Estudió Bellas Artes en Suiza y Holanda, y participó de varias residencias de artistas en Alemania e Italia. En el 2005, representó a Suiza en la 51ª Bienal de Venecia. Desde el año 2000, ha mostrado su trabajo en numerosos festivales internacionales de cine y video. Fue incluido en H-Box de la Tate Modern en 2008 (salón de proyecciones móvil que mostraba 8 nuevos videos comisionados en gira por el Centro Pompidou de París, el MUSAC de León y el MUDAM de Luxemburgo) y realizó una muestra individual en Das Beispeil, Ginebra, en 2008.
Sinopsis del video
The Regulating Line
(La línea reguladora, 2005, 4’25”)
La acción transcurre en el Museo del Louvre, frente a la serie La vida de María de Medici de Rubens. En este video, como en otros de su producción, Nashat se ocupa del poder, el control y la identidad, y la representación de los sistemas de poder, ya sea político, religioso o estético.
Fragmentos del texto curatorial
Por Mirjam Varadinis, Kunsthaus Zurich.
“En varias obras, Nashat ha abordado el tema de cómo los museos son instrumentos de poder que modelan el significado del arte. The Regulating Line (2005) es otro ejemplo de su abordaje de este tema: ‘Cuando uno trata con instituciones, también se ve sujeto a sus reglas y mecanismos de poder. Cuando en 2005 fui invitado a la Bienal de Venecia, me pregunté: ¿Cómo se crea arte en el contexto de un pabellón nacional, con sus implicancias culturales y sus marcas de identidad? Así que decidí realizar mi video en el Louvre, en el sanctasanctórum del mundo del arte. Fue muy divertido intentar que un tipo se saque la camisa y haga la vertical frente a un Rubens. Pero a su vez este uso parasitario me permitió sacudir la estructura del lugar, y abrir una brecha en la economía dentro de la que funcionan los museos’”.
Lene Berg / Noruega
Presentada por Henie Onstad Kunstsenter
Hovikodden, Noruega
www.hok.no
Lene Berg se formó como directora de cine en el Dramatiska Institutet de Estocolmo. En 2008, fue la becaria noruega del International Studio and Curatorial Program (ISCP) en Nueva York, y participó en la Bienal de Sydney. Trabaja con videos, instalaciones, fotografía y textos. Se ha desempeñado como profesora y ha dictado talleres en varias escuelas de arte escandinavas, como las academias de arte de Estocolmo y Oslo. Su obra se caracteriza por la mezcla de soportes y ficciones dentro de un mismo proyecto, y por el uso de personas y eventos – supuestamente reales – como punto de partida para sus trabajos.
Sinopsis del video
The Man in the Background
(El hombre en la sombra, 2006, 20’)
Está construido alrededor de una secuencia de imágenes en Super 8, que muestran a Michael Josselson, director del Congreso para la Libertad Cultural (1950-1967), de vacaciones con su esposa Diana en 1958. Sin embargo, lo que las imágenes no muestran es que Josselson era un agente de la CIA y que el Congreso estaba financiado -en secreto- por esa organización. En la entrevista que se alterna con las imágenes de archivo, la esposa de Josselson cuenta cómo fue su vida hasta que su conexión con la CIA se hizo pública en 1967.
Fragmentos del texto curatorial
Por Caroline Ugelstad, Henie Onstad Kunstsenter.
“The Man in the Background repite siete veces la misma secuencia en Super 8 de imágenes privadas, cada vez con una voz diferente contando su historia de diferente manera, considerando sus acciones bajo otra luz y revelando diferentes hechos acerca de sus vidas y su trabajo. ¿Es una historia de amor, un thriller, un drama histórico, una comedia absurda, una serie de dilemas sociales y políticos, o lisa y llanamente un insulto? ¿Michael Josselson debería ser considerado un ‘héroe cultural’?, se pregunta Lene Berg. ¿O más bien un mero embustero? ¿Una víctima? ¿Un desdichado chivo expiatorio o ‘apenas’ un aventurero infiltrado en el arte y la cultura?”.
“Lene Berg intenta suscitar una consciencia crítica de la historia en tanto fuente de conocimiento. A través de acertijos narrativos, la artista se interroga acerca de las conexiones entre la ‘historia oficial’ y la subjetividad, y se pregunta cómo y con qué argumentos podemos tener certeza de las consecuencias del arte, la literatura, la filosofía y la investigación. ¿La CIA utilizó a los artistas e intelectuales a su antojo, o el uso era recíproco? ¿Fue inmoral el accionar de la CIA? ¿Un artista está obligado a ser honesto?”.
Nathalie Djurberg / Suecia
Presentada por Moderna Museet
Estocolmo, Suecia
www.modernamuseet.se
Nathalie Djurberg nació en 1978 en Lysekil, Suecia. Cursó un posgrado en la Malmö Art Academy. Ha presentado muestras individuales en el Hammer Museum de Los Angeles, en la Fundación Prada de Milán, en la Kunsthalle Winterthur de Suiza y en la Kunsthalle Wien de Austria. Su obra ha sido exhibida en la Tate Modern de Londres, en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y en el Hamburger Bahnhof de Berlín. En 2008, recibió el Carnegie Art Award, una beca para artistas jóvenes. Vive y trabaja en Berlín.
Sinopsis del video
Denn es ist schön zu leben
(Porque es lindo vivir, 2006, 9’ 46’’)
Animación hecha con figuras de plastilina. Con un formato similar al de los cortos infantiles, el espectador tiene la sensación de que es un niño otra vez, y que el mundo está lleno de cosas nuevas
y estimulantes. Sin embargo, muy pronto descubre que esas cosas nuevas tienen también su costado oscuro y amenazante.
Fragmentos del texto curatorial
Por John Peter Nilsson, Moderna Museet.
“Un mundo de cuento de hadas es un instrumento especialmente dúctil para contar la complejidad del comportamiento humano. Las películas de Djurberg critican explícitamente diversos tipos de atropellos, y los atropellados o explotados siempre ganan al final. Pero el humor y la fábula garantizan, por ejemplo, que la violencia en sus películas nunca sea explícita. Por el contrario, sólo ocurre en la imaginación del espectador”.
“Es probablemente por eso que las películas de Nathalie Djurberg son a la vez divertidas e inquietantes, privadas y públicas, que producen satisfacción y dolor a la vez. Por su ambigüedad, son esquivas. Su obra se balancea entre la esperanza y la desesperación. La tensión nos pone en guardia permanentemente y me hace inmune a todo. En definitiva, su obra apela a mi rechazo como ser humano a ser esposado y controlado”.
Ryan Trecartin / Estados Unidos
Presentado por Ballroom Marfa
Texas, Estados Unidos
www.ballroommarfa.org
Ryan Trecartin nació en 1981 en Webster, Texas, Estados Unidos. Completó un posgrado en Bellas Artes en el Rhode Island School of Design en 2004. Forma parte de una camada emergente de artistas que han crecido con Internet y que, en consecuencia, producen obras informados acerca la evolución de la estética de la red, la hiperactividad de la web y la proliferación de plataformas democráticas de difusión de contenidos, como Youtube.
Sinopsis del video
Wayne’s World
(El Mundo de Wayne, 2003, 8’)
Es uno de los primeros videos del artista, el primero en el que él mismo aparece ante cámara y se presenta como un ‘chico que hace video digital’. En este trabajo, Trecartin despoja toda narrativa para construir un video que se ocupa directamente del proceso creativo del artista. Además, dirige la atención hacia los procesos de transmisión de personalidad a través de los diversos medios de comunicación, y a la brecha cada vez más estrecha entre el personaje de la pantalla y la realidad fuera de ella.
Fragmentos del texto curatorial
Por Alicia Ritson, Ballroom Marfa.
“Ryan Trecartin pertenece a una emergente ola de artistas que crecieron con Internet, y cuya obra, por consiguiente, exhibe la influencia de la evolución de la estética en red, la hiperactividad de la Web mundial y la proliferación de plataformas de intercambio democrático, como YouTube. Se trata de la misma generación que señala que el video –el VCR, los casetes y las videocámaras– es uno de los inventos más importantes de nuestros tiempos, una tecnología que los pone frente a las cámaras, y luego en pantalla, desde muy chicos y con total naturalidad.
En los videos de Trecartin, los personajes se visten, actúan y posan para la cámara –a veces como personajes de ficción, otras como ellos mismos– mientras comparten los detalles remixados de su vida sentimental y cotidiana. Sus relaciones y actitudes muestran los profundos efectos de la hiper-consciencia de la presencia de los medios de comunicación: un flujo abundante y permanente de referencias a la cultura popular y un surtido de formas artísticas de las que se nutren sus personajes son un fiel reflejo de la generación post-mediática a la que Trecartin pertenece”.
Ömer Ali Kazma / Turquía
Presentado por The Institute for the Readjustment of Clocks, albergado por The Koç Foundation
Estambul, Turquía
www.saatleriayarlamaenstitusu.com
Ömer Ali Kazma nació en 1971 en Estambul. Es un video artista egresado de la New School University de Nueva York. En 2000, regresó a Estambul, en donde aún reside. Sus videos plantean preguntas fundamentales acerca del sentido y el significado de la actividad y labor humana, y del significado de la economía, la producción y la organización social.
Sinopsis del video
Jean Factory
(Fábrica de jeans, 2008, 11’ 40’’)
Ali Kazma registra el trabajo de una fábrica de jeans, productos creados para proporcionar un refugio seguro y confortable para el cuerpo, que esconden un proceso de producción de una complejidad sorprendente. Este trabajo, que pone en primer plano la creación de los códigos globales de la cultura de la moda, es uno de los ocho capítulos de una serie titulada Obstructions to the Second Law.
Fragmentos del texto curatorial
Por Emre Baykal, The Institute for the Readjustment of Clocks, albergado por The Koç Foundation
“La serie (Obstructions to the Second Law) toma prestado su nombre de la segunda ley de la termodinámica, que describe el comportamiento de la energía en el mundo natural: ‘Tarde o temprano todo se destruye y desaparece, como expresión de la tendencia de la energía concentrada a expandirse y disolverse’. Sin embargo, en tanto seres humanos, nuestra inclinación es precisamente la contraria: el objetivo de casi todas las actividades humanas es alcanzar el orden y resistir la descomposición. Lo que conecta entre sí a cada una de las piezas de Kazma es esa misma práctica humana tendiente a obstruir y demorar la segunda ley, con esfuerzos constantes, cuidados y precauciones.
En sus trabajos posteriores, Kazma ingresa en otros lugares de producción, reparación y mantenimiento, como el quirófano de un hospital, el taller de un maestro relojero del Palacio Dolmabahçe, una siderúrgica en un área industrial cerca de Estambul, un matadero, una fábrica de jeans: lugares de producción a los que no tenemos acceso en nuestra vida cotidiana”.
Diego Perrone / Italia
Presentado por Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, GAMeC
Bergamo, Italia
www.gamec.it
Diego Perrone nació en 1970 en Asti, Italia, aunque vive y trabaja en Berlín. Su obra está desarrollada casi exclusivamente en video, escultura y fotografía, y sondea los aspectos más profundos e intensos de la psicología humana, las relaciones y la existencia. Ha presentado muestras individuales en el Museo de Arte Moderno de Bologna y en el CAPC Musée d’Art Contemporain en Bordeaux (2007), y en la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo de Turín (2005). Sus obras han sido exhibidas en muestras colectivas en el Guggenheim Museum de Nueva York y en el Musée d’Art Contemporain de Nimes (2007), entre otras.
Sinopsis del video
I verdi giorni
(Días Verdes, 2000, 2’ 30’’)
Esta animación muestra a un grupo de niños jugando en una plaza, hasta que de pronto el juego se transforma en un acto de agresión inesperado.
Fragmentos del texto curatorial
Por Alessandro Rabottini, GAMeC.
“El mundo de Diego Perrone (Asti, 1970) está poblado de presencias que se ubican entre lo fantástico y lo grotesco, un mundo en el que el drama, la poesía y la crueldad se entremezclan, y en el que la trivialidad de lo cotidiano revela sus aspectos más mágicos, surrealistas y perturbadores”.
“La animación titulada I verdi giorni (Días Verdes, 2000), retrata a un grupo de niños en un acto de agresión pura y aparentemente inmotivada. Nada en la elección de la víctima hace suponer la existencia de una voluntad o una lógica que no sea el juego mismo, y los roles de agresores y de víctimas son arbitrarios e intercambiables. La violencia termina tal como comenzó: el brusco impulso de energía que la generó se detiene de pronto y se transforma en un momento de aturdimiento, incredulidad y doloroso alivio. En otras ocasiones, Perrone también ha usado la figura de la infancia y de la vejez, vale decir, de los dos extremos de la existencia: en la infancia el lenguaje verbal está todavía en formación –y da cuenta de una visión más ‘realista’ que ‘simbólica’ del mundo–, mientras que la vejez muestra un lenguaje que se despega progresivamente de la realidad”.
La instalación
Leandro Erlich
El consultorio del Psicoanalista, 2005
Instalación
Técnica mixta, ambientes simétricos, vidrio, mobiliario
4,50 x 2,60 x 9,00 mts.
Fundación PROA presenta la obra El consultorio del Psicoanalista, instalación que se realizó por primera vez en el Centre d’Art Contemporain Le Grand Café (Saint Nazaire, Francia), en abril de 2005. En apoyo al video que se exhibe en “Art in the Auditorium”, esta instalación propone reflexionar e interrogarnos sobre conceptos tales como escenario, performance, documento y backstage.
El consultorio del Psicoanalista se exhibe por primera vez en Buenos Aires, ciudad que custodia una tradición psicoanalítica. Erlich explica: “La obra se gestó en París, donde residí hasta el 2006. Es curioso, porque yo he nacido en Buenos Aires y, tanto en París como en nuestra ciudad, el psicoanálisis, aunque yo no lo haya practicado, ha hecho escuela. En la instalación, el espectador interactúa y genera una ficción que a su vez construye una imagen metafórica. Nuestro “reflejo fantasma” pasea dentro de un espacio ligado a la reflexión. El consultorio del analista es un sitio donde se acude a tratar temas vinculados a nuestra existencia, y nuestro reflejo es un estado de conciencia sobre ella. La participación del público es esencial y las reacciones que he presenciado son múltiples. Casi siempre se da una experiencia lúdica producida por la sorpresa que genera el reconocimiento de la escena. Quizás lo más sorprendente, porque no lo sabía en un principio, es la cercanía que la obra tiene con algunas experiencias ópticas que Lacan ha utilizado para representar y explicar ciertos temas del psicoanálisis”.
La instalación se ha presentado en la Galería Nogueras Blanchard, Barcelona, (2005); y durante 2006, en Galerie Emmanuel Perrotin, Paris y Galería Brito Cimino, São Paulo.
Desde el 14 de marzo al 3 de mayo de 2009
Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929
La Boca, Caminito
[C1169AAD] Buenos Aires
Argentina
T [54.11] 4104.1000
Horario
Martes a domingo de 11 a 20 hs (ingreso hasta las 19 hs)
Lunes cerrado
Admisión
General $ 10
Estudiantes $ 6
Jubilados $ 3
Más información: www.proa.org/esp/
Fuente: Prensa Fundación PROA
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