Jueves, 18 de Diciembre de 2014

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Of Bridges & Borders - Fundación PROA

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A través de su programa de exhibiciones Fundación Proa vuelve a acercar la escena internacional con 'Of Bridges & Borders', una experiencia curatorial organizada en un libro / edición curado por Sigismond de Vajay que en esta oportunidad llega al espacio expositivo.

Los bordes, los puentes, las líneas imaginarias que dividen u organizan los estados, las razas, las culturas y los territorios son las coordenadas que Of Bridges & Borders propone pensar. La exposición reúne una rigurosa selección de artistas, invitados a generar obras para Proa, que en su conjunto trabajan una problemática similar sobre inmigración, censura y frontera.

Of Bridges & Borders asume diversos caminos en la construcción de la obra, concomitantes, todos, con los modos imperantes de la producción artística actual. Thomas Hirschhorn envía por DHL su serie de UR Collages, al tiempo que está presente en el documental que exhibe la muestra sobre su obra. Jorge Macchi produce para la exposición la pieza Reacción. A su vez, la variedad de los métodos productivos permite que algunos artistas lleguen a Buenos Aires a concluir sus trabajos. La presencia de Fabrice Gygi, Lang/Baumann, Josep-Maria Martín y Gianni Motti vehiculiza otra de las facetas del artista actual: el rol teórico y la importancia del ejercicio reflexivo a través del diálogo permanente con el público y la presentación directa y personal de las obras. Así, ellos llegan por primera vez a la Argentina y exponen en las salas de Proa el resultado de sus trabajos, generando un diálogo sobre formatos y procesos: instalaciones, esculturas, performances, site-specific y planteos multidisciplinarios capaces de engrosar la “memoria colectiva” que, según Sigismond de Vajay, funciona como objetivo central del proyecto.

Of Bridges & Borders organiza encuentros, planea intervenciones, arma conciertos e imagina proyectos especiales susceptibles de revelar la inestabilidad que, en el mundo contemporáneo y en tiempos de globalización, redefinen la noción de límite y repiensan la lejanía y la proximidad.

El Primer paso en Argentina que el italiano Gianni Motti selló al arribar al aeropuerto de Ezeiza en ocasión de la muestra prologó la muestra. Motti, famoso por el alcance público de sus métodos, imaginó su gesto en clara alusión al gran puente que, entre América y Europa, tendieron algunos estados modernos.

La exhibición presenta, por primera vez en la Argentina, 118 Ur Collages de Thomas Hirschhorn. Dominantes, las imágenes de Hirschhorn sellan un contraste feroz y terminante. La proyección de Thomas Hirschhorn. Jours tranquilles au Musée précaire Albinet, el documental de Coraly Suard sobre el Museo de Albinet, completa la presencia del artista en el marco de la exposición.

La pieza de Fabrice Gygi, O_O, trabaja la categoría de sociedad de control y regulación social de la violencia, cristalizadas en un objeto con raíces sadomasoquistas. Exclusión trágica e imposibilidad de tránsito motivan la obra del artista español Josep-Maria Martín: Una casa digestiva para un piso patera para lavapiés, con Mouhamadou Bamba Diop enmarca, en un cubo rojo, una experiencia en primera persona de un inmigrante senegalés. Carlos Garaicoa pensó Welcome para la edición del proyecto: adversidad, daño psicológico y el “tramiterío” hastiante de las “Green Card” norteamericanas.

Con la videoinstalación Lusstorte, John Bock reafirma en Buenos Aires su filiación al arte caótico. En su video, una habitación gira. Gira también una torta. Y gira el artista, interminablemente.

Lang/Baumann traslada al plano arquitectónico una de sus permanentes inquietudes: Beautiful Steps #6, una escalera central, limitada pero infinita, insuficiente. E imponente. De abajo arriba, de arriba abajo y a ninguna parte.

La valla de contención de Jorge Macchi, Reacción, elaborada con vidrio soplado, conjuga las formas del miedo, tan propias como impuestas.

Las fronteras logran cruzarse y Of Bridges & Borders ensaya una proximidad y un contraste capaz de reponer los interrogantes más urgentes de un mundo en crisis simbólica y política Of Bridges & Borders cuenta con el apoyo de la Embajada de Suiza en Argentina, Swiss Arts Council PROHELVETIA, Avina Stiftung, KBB, Toit du Monde y Tenaris.

Of Bridges & Borders es un proyecto cultural multidisciplinario transfronterizo que nace de un libro realizado y editado en octubre del 2009, y que reúne y revela la posición y el modo de ver de músicos, arquitectos y pensadores de 17 países.

Of Bridges & Borders es, así, un conjunto de contribuciones que alcanzan su realización material a través de exposiciones, intervenciones urbanas, conciertos y conferencias, con formatos que varían entre la instalación, el videoarte, el cine, la arquitectura, la música y las performances, con las que Of Bridges & Borders busca provocar nuevas formas de lectura por proximidad, diferencia, comparación y contradicción en el ámbito cultural.

En Fundación Proa, Of Bridges & Borders presenta a ocho artistas cuyos trabajos dialogan entre sí. Con texturas y formatos universales, la exposición traza un recorrido visual que va desde el minimalismo al arte caótico, con contenidos y temáticas abordadas desde un punto de vista formal, político y estético. Artistas oriundos de varios países e integrantes de una misma generación, que llegan con visiones y vocabularios diferentes para afrontar un mismo problema: el de la globalidad de la vida cotidiana, asunto fundamental de las preocupaciones simbólicas contemporáneas.

El proyecto no sólo tiende puentes entre las obras y los artistas; también delimita las fronteras que circunscriben las tendencias del arte actual, sus vocabularios y conflictos. Of Bridges & Borders se erige entonces como un proceso de producción de obras pergeñadas específicamente para los espacios de la Fundación Proa y para su contexto sociopolítico y geográfico. Los artistas fueron invitados a pensar piezas especiales que, en la mayoría de los casos, responden a las características de la institución.

En la selección de esta edición de Of Bridges & Borders hay tres artistas suizos -Thomas Hirschhorn, Fabrice Gygi y L/B- un artista italiano -Gianni Motti-; un artista español -Josep-Maria Martín-; un artista cubano -Carlos Gariacoa- un artista alemán -John Bock- y un artista argentino -Jorge Macchi-.


 

John Bock
Lusstorte, 2008. Videoinstalación. 50’50”
La obra de John Bock se caracteriza por su espíritu poco convencional y caótico. Es considerado uno de los más influyentes de su generación. El trabajo de Bock toma formatos performativos y teatrales que se traducen en video, cine, instalaciones y objetos en los que nada es lo que parece, lo que dificulta su clasificación dentro de las disciplinas tradicionales.

John Bock es un artista excéntrico que, a través del vocabulario y los elementos que utiliza en sus performances, sus esculturas y películas, reflexiona sobre la sociedad actual y transporta al público a un mundo casi incomprensible.

Se puede detectar en sus trabajos influencias de las performances de Paul McCarthy, o incluso del accionismo vienés y del arte de vanguardia del siglo XX, creando un universo particular en el que usa ciertos objetos y formatos a los cuales logra dar significados particulares, con códigos propios.

Sus objetos o esculturas parecen ser herramientas para las performances. Bock es el principal actor de sus obras audiovisuales, siendo él mismo director, actor y creador de los sets. Las obras de Bock que se presentan en Proa son proyectos recientes que el artista realizó exclusivamente en formato audiovisual y se exhiben como videoinstalación en la sala de exposición y en el auditorio.

En la videoinstalación Lusstorte (2008), Bock realiza una performance de 50 minutos en la que él es el único protagonista, en un entorno ficticio y caótico con forma de torta gigante. En la película Im Schatten der Made (2010), el artista despliega su amplio repertorio creativo, cargado de guiños al expresionismo alemán y al teatro del absurdo. Y en Palms desarrolla otras preocupaciones, tal vez más concretas y narrativas, alejándose un poco de lo surreal para dedicarse al guión tradicional, aunque construido con “toques bockianos”.

John Bock tiene un talento para lograr obras completas, sin fronteras entre los medios que utiliza, uniendo la performance con el cine, el cine con la escultura, y la escultura con la instalación, de forma intensa y enfatizando el humor, el drama y el sarcasmo.

John Bock (1965, Gribbohm, Alemania). Reside y trabaja en Berlín. Trabaja con las galerías Anton Kern de Nueva York, Klosterfelde de Berlín y Sadie Coles HQ de Londres. Realizó exposiciones en instituciones como el MoMA y el New Museum of Art de Nueva York, el Kunst- Werke de Berlín, el Kunsthalle de Basilea, la Secession de Viena , la Fundación Trussardi de Milán, el ICA de Londres y el CAC de Málaga. Las instalaciones y los videos de John Bock se exhibieron en algunos de los eventos más prestigiosos del arte, como la Bienal de Venecia en dos ocasiones, la Manifesta 5, la Trienal de Yokohama o la Documenta 11 de Kassel.

Entre sus principales premios se destacan Ars Viva 99/00, el Premio para Catálogos de Alfred Krupp von Bohlen y el de la Fundación Halbach.

www.designboom.com/contemporary/ bock.html
www.klosterfelde.de/sites/artists/bock/ ar_f.html
www.cmoa.org/international/the_ exhibition/artist.asp?bock
www.regenprojects.com/artists/john-bock


Carlos Garaicoa
Welcome, 2011. Instalación. 700 x 300 cm.
A partir de los años 90, Carlos Garaicoa comienza su trayectoria artística en La Habana, su ciudad natal. Su discurso crítico sobre la sociedad contemporánea se traduce en obras de varios formatos, como la fotografía, las instalaciones, las intervenciones, el video, y el dibujo. Trabaja sobre visiones del espacio urbano, que reflejan el contexto mediante la proyección de ficciones, como por ejemplo ciertas obras en las cuales reconstruye en técnica textil edificios jamás construidos de La Habana. Sus proyectos se nutren de la memoria fragmentada, haciendo referencia al fracaso de los programas sociales y arquitectónicos cubanos, y alegorías a monumentos y a las ruinas del pasado. Sus obras hablan, de forma depurada y con referencias a la arquitectura, de posicionamientos políticos como el totalitarismo, las dictaduras o el socialismo. Usa formatos como maquetas, dibujos arquitectónicos o fotografía para realizar proyectos que denuncian actos sucedidos en el pasado en países que sufrieron totalitarismos, sin perder cierta ironía. El tema de la frontera está presente en varios momentos en la obra de este artista, ya que realizó una serie de intervenciones y videos vinculados con las fronteras políticas y los muros divisorios.

Para Of Bridges & Borders 2011, Gariacoa inició una nueva obra producida en conjunto con la Fundación Proa, que tiene como punto de partida la migración cubana hacia los EE UU. De Welcome (2011), Garaicoa dice: “Es una instalación que está emparentada con la obra anterior, Der Gast/El Invitado (2006), donde lidiaba con los sistemas burocráticos existentes para desplazarse de un lugar a otro sobre todo en países del Tercer Mundo. Tocaba además el tema de la posibilidad/imposibilidad de movimiento y la adversidad psicológica por la que atraviesa un individuo que debe hacer todos estos trámites para moverse, sea para visitar o migrar”.

Para el caso particular de Welcome, el artista reunió durante años invitaciones a participar en sorteos de Green Card para ingresar a los Estados Unidos. El período de tiempo por el que fue guardando estas cartas era el mismo en el que le era imposible viajar a los Estados Unidos por razones políticas. La obra juega con esa dicotomía entre la tentación constante de la invitación y la imposibilidad de acceder realmente al país.

Carlos Gariacoa (1967, La Habana, Cuba). Reside y trabaja en La Habana y Madrid.
Trabaja con las galerías Continua, de San Gimignano, Beijing y Le Moulin; Elba Benítez, de Madrid; Luisa Strina, de San Pablo; y Habana, de La Habana. Realizó exposiciones en el MoMA de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, el Museo de Arte Moderno de Medellín, el Museum of Modern Art de Dublín, el Museo de Burgos y el Royal Ontario Museum de Toronto. Participó en importantes eventos artísticos internacionales como las bienales de São Paulo (2004 y 2010), Venecia (2005 y 2009), Liverpool (2006), Dokumenta 11 de Kassel (2002), Sharjah, en los Emiratos Arabes Unidos (2005), Moscú (2005) y la Trienal de Yokohama (2001). Entre sus principales premios se destacan el Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Montecarlo y el Katerine S. Marmor Award en el 2005.

Algunas importantes colecciones tienen obras del artista, como el Museum of Fine Arts de Houston, el MoMA, la Tate Modern, el MOCA, el Guggenheim de New York, el MACBA de Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, o la Maison Européenne de la Photographie de París.

www.carlosgaraicoa.com
www.tate.org.uk/research/tateresearch/ majorprojects/garaicoa/work_1.htm www.elcultural.es/articulo_imp. aspx?id=20470
www.icaphila.org/news/pdf/Garaicoa_ pr.pdf
bombsite.com/issues/82/articles/2523
www.e-flux.com/shows/view/8383


Fabrice Gygi
O_O, 2011. Instalación. Cuero y hierro.
Medidas variables
Fabrice Gygi se inspira para sus obras en los elementos que lo rodean, estructuras que reflejan el orden y el poder, la vigilancia y el autoritarismo inherente de los sistemas sociales.

En su carrera artística desarrolló proyectos y obras en diversos formatos, como la performance, el grabado y la escultura instalada o los objetos. En los últimos diez años, Gygi enfocó su producción en obras tridimensionales de formato mediano o grande, con claras referencias a lo industrial y las estructuras de mobiliario urbano o del espacio público. En varias de sus obras, se denotan inspiraciones en lo militar, la cárcel, el tribunal, las armas, el orden, la democracia, el totalitarismo y la dictadura, los deportes, las sentencias finales y los castigos. Sus piezas, que siempre recuerdan algo común, generan inseguridad, manteniendo esta idea de frontera entre lo que es arte y lo que no. Hay algo de ready-made en ciertas obras de Gygi, pero lo que más se destaca en su arte es un minimalismo puro y una referencia a materiales fríos que sirven para contener a la sociedad dentro del marco de la “normalidad”.

Gygi realizó multitudes de objetos, como barreras, vallas o jaulas en diversos materiales que representan o forman fronteras, impidiendo el paso. También desarrolló torres de vigilancia, flotadores o cross blocks con el mismo significado, todos juntos, formando un vocabulario propio. Para la exposición en Proa, el artista se propuso actuar de forma diferente y más suave que de costumbre al trabajar sobre materiales que produce el país, vinculándose con el contexto local. Eligió para su obra cuero y metal, como había hecho en su serie LTXYI.

Con estas nuevas obras hace referencia a los potros de gimnasia, un obstáculo a superar saltando por encima. Como siempre, lo traduce a su manera y lo combina con otros elementos que le sugiere la forma definitiva de la pieza. En este caso, el artista combinó los materiales y las formas con la pelota del juego del pato, deporte nacional en la Argentina.

Esta nueva obra confirma la inspiración minimalista y pura, y su interés tanto en los materiales, las formas y las relaciones de las paradojas sociales, siendo el juego del pato prohibido en otras épocas por su carácter violento y su falta de reglas. La escultura refiere a un juego violento y caótico, pero a través de una pieza y desde un lenguaje formal que refiere al orden, la pureza y el control.

Fabrice Gygi (1965, Ginebra, Suiza).
Reside y trabaja en Ginebra.
Es un artista reconocido internacionalmente por sus instalaciones, esculturas y objetos minimalistas de una estética radical enfocadas en temáticas políticas y sociales. Trabaja con galerías como Chantal Crousel de París, Guy Bärtschy de Ginebra y Francesca Pia de Berna. Exhibió sus obras en museos como el Orange County Museum de California, el Mamco de Ginebra, Magasin 3 de Estocolmo, Museum of Contemporary Art de Tuscon y el Swiss Institute de Nueva York. Participó en importantes eventos artísticos internacionales representando a Suiza, como en las bienales de Venecia (2009) y São Paulo (2002). Entre sus principales premios, se destacan el de la 6ª Bienal del Cairo y los Swiss Art Awards entre 1996 y 1998.

editioncopenhagen.com/default. asp?Action=Details&Item=380
www.crousel.com/artists/gygy_fabrice/ index.html
www.magasin3.com/v1/exhibitions/gygi. html
www.bartschi.ch/ggb. php?opt=artist&id=84
www.frieze.com/issue/review/fabrice_gygi


Thomas Hirschhorn
Ur Collage, 2008. Serie de 118 collages sobre papel. Medidas variables
Para su participación en Of Bridges & Borders, Thomas Hirschhorn hizo una selección de obras de su serie Ur- Collages, iniciada en 2008. Es la primera oportunidad en la que Hirschhorn presenta tantas piezas juntas de esta serie (118 de las 142 existentes).

Aquí, Hirschhorn establece un diálogo o una confrontación con las imágenes, llevando al público a reflexionar sobre las relaciones básicas del mundo que nos rodea a través de los medios de comunicación, las publicidades y la propaganda política.

Su serie de collages nos presenta de una forma sencilla y frontal el contraste entre la belleza socialmente aceptada y los desastres ocasionados por los conflictos bélicos. En este caso, el artista usa el collage con las clásicas preocupaciones artísticas que el dispositivo conlleva, cuidando lograr armonías de forma y colores, sintonías y diálogos entre las imágenes. Sin embargo, hay una gran diferencia con el collage clásico: el impacto que genera este contenido.

Por una parte, la seducción de las imágenes glamorosas que intentan vender accesorios y ropa. Por la otra, fotos de cadáveres y cuerpos reventados en tragedias ocurridas en conflictos mundiales. Todo, con gran ingenio, y teniendo como meta estética la unidad. Los Ur Collages reflejan el nuevo orden estético y la orgía destructora de los enfrentamientos globales, denunciando el mecanismo perverso de los medios de comunicación y la prensa.

Hirschhorn es más conocido por sus instalaciones de gran formato, con carácter supuestamente caótico, para las cuales generalmente hace uso de materiales baratos y cotidianos como cinta de embalar, cartón, papel de aluminio, plásticos, recortes de periódicos, revistas, autos, y libros que selecciona cautelosamente. Siempre hace referencia a la filosofía, la política y la prensa, instalándo todo de una forma muy lógica y precisa en el espacio expositivo. En el caso de los Ur Collages, decide no hacer uso de esta estética caótica y vuelve a lo tradicional mediante un montaje estándar, al “cubo blanco”, que enrarece el objeto artístico.

Su instalación, en esta presentación, es de un radicalismo extremo y matemático, transformando su pieza en una propuesta que coquetea con el minimalismo. Hirschhorn dice que “hacer collages es esencial para mí, me inspiro en los collages de John Heartfield, Hannah Höch, Kurt Schwitters y sobre todo los Grosse- Plasto-Dio-Dada-Drama tridimensionales de Johannes Baader”. Además, destaca el carácter popular del collage: “Hacer un collage es algo universal y es una apertura al público masivo”.

Thomas Hirschhorn (1957, Berna, Suiza). Reside y trabaja en París, Francia. Artista de renombre internacional, que se presenta por primera vez en Argentina. Reconocido por sus instalaciones y proyectos que combinan arte, filosofía y sociología, la estética y la política, Hirschhorn trabaja con galerías de primera línea como Chantal Crousel de París, Gladstone Gallery de Nueva York, Stephen Freidman Gallery de Londres y Kurimanzutto de México. Exhibió sus obras en los museos más importante del mundo, como el Pompidou, el Guggenheim, la Tate Modern, el MOCA de Los Ángeles, el New Museum y el MoMA de Nueva York, y el Reina Sofía de Madrid. También participó de grandes eventos artísticos internacionales, como las bienales de Venecia, São Paulo y la Documenta 11 de Kassel. Entre sus principales premios se destacan el Prix Marcel Duchamp (2000) y el Joseph Beuys-Preis (2004). En 2011, representará a Suiza en la Bienal de Venecia.

www.gladstonegallery.com/hirschhorn.asp
www.tate.org.uk/magazine/issue7/ hirschhorn.htm
www.papercoffin.com/writing/articles/ hirschhorn.html
www.artnet.com/magazineus/features/ saltz/saltz1-31-06.asp
bombsite.com/issues/113/articles/3621


Lang/Baumann
Beautiful Steps # 6, 2011. Instalación. 580 x 180 x 500 cm.
La obra de L/B es interactiva y dinámica, es ornamental y supera las fronteras de lo decorativo, manteniendo un estilo y gusto que nos recuerda los éxitos de los diseños de los 60 y 70, con una fuerte influencia del arte pop.

Muchos de los proyectos que llevan a cabo son site specific, desarrollados en relación con el contexto estético y temático. A través de sus intervenciones, se preocupan de la espacialidad, de cómo la gente hace uso de los espacios y de cómo lograr proyectos armoniosos que aseguran un bienestar.

Muchos de los títulos de sus piezas hacen referencias al bienestar, como CONFORT, BEAUTIFUL o PERFECT, relacionando la obra de arte a un producto más comercial que se readapta en los diferentes espacios según las necesidades del lugar para el cual se crea.

El vocabulario de los artistas es lo suficientemente libre para lograr propuestas de toda índole y para todo espacio, en el marco de la abstracción que los caracteriza. El proceso creativo de L/B es seductor, ya que lograron establecer una unidad entre las obras bidimensionales y las tridimensionales sin conflicto ninguno. Que sea una pintura mural o unas escaleras, un objeto o un elemento inflable, todo se enmarca en una línea con la cual saben jugar de forma hábil y con humor.

En el marco de Of Bridges & Borders, L/B desarrollan dos proyectos que dialogaran entre sí y que también se pueden leer de forma independiente. Para Proa, producen una nueva pieza dentro de la serie Beautiful Steps, que empezaron en el 2009. Son escaleras blancas, que flotan en el espacio y que van de ningún lugar a ningún lugar. En este caso, pueden traducirse como frontera imposible. Las escaleras que normalmente se usan como una herramienta arquitectónica, aquí se transforman en algo escultórico que representa sólo un emblema.

Obviamente, esta pieza podría hacer referencia a pensadores o artistas del siglo pasado, como M. C. Escher con su famosa escalera infinita del grabado Ascending and Descending (1960), o las escaleras imposibles de Penrose, que realizó un año antes, sin olvidar las escaleras de los grabados de las cárceles de Piranése, que grabó el artista italiano casi dos siglos antes, o las escaleras que aparecen en la obra literaria de Borges.

L/B (Sabina Lang: 1972, Berna / Daniel Baumann: 1967, San Francisco). Residen y trabajan en Burgdorf, Suiza desde 1990.

Es un dúo de artistas suizos que se presenta por primera vez en Latinoamérica. Son reconocidos por sus intervenciones e instalaciones, proyectos que mezclan y ponen en relación el arte, el diseño y la arquitectura. Trabajan con las galerías Loevenbruck de París y Urs Meile de Lucerna y Beijing. Exhibieron sus obras en museos como el Palais de Tokio de París, la Nuit Blanche de Madrid y de París, y el Musac de León, y participaron en grandes eventos artísticos internacionales como Art Setouchi 2010, Megijima, Kagawa, Japón; Utopics. 11. Exposición Suiza de arte plástico, Biel- Bienne, Suiza.
Entre sus principales premios, destacamos el Swiss Art Award en 1998 y 2002.

langbaumann.com
www.everland.ch
www.loevenbruck.com
www.galerieursmeile.com


Jorge Macchi
Reacción, 2010. Vidrio soplado. 210 x 102 x 60 cm.
La obra de Jorge Macchi se relaciona en muchos casos con vivencias, momentos particulares y la trama de la memoria, el sonido y música. Con economía de elementos y mucho ingenio, logra revelar cosas simples que, sin embargo, seducen y sorprenden.

Sabe cómo equilibrar las dosis de cada elemento para que una obra resulte intrigante y atractiva.

En varias ocasiones, el tiempo y la distancia refieren en la obra del artista a vías de contar historias desde otro punto de vista, seduciendo a su público con pequeños accidentes que no deberían tener importancia. El logra ponerlos en una posición sumamente interesante.

La obra de Macchi seduce, al tiempo que evidencia que lo sencillo, muchas veces, resulta potente si está bien traducido. Reacción es una de las últimas piezas relacionadas con las fronteras o barreras. Esta obra minimalista, casi invisible por ser de vidrio transparente, podría interpretarse como la fragilidad del poder, que con estas mismas vallas (normalmente, de metal) intentan frenar la presión social. O, por otro lado, podría interpretarse como la autoridad invisible que siempre nos persigue y nos obliga a tomar decisiones que a menudo van en contra de nuestros sueños.

De alguna forma, es una obra que está presente pero invisibilizada. Su presencia es perceptible antes de distinguirla. Por otro lado, su materialidad recuerda la reacción química de los laboratorios, ya que su plasticidad hace referencia a los tubos de ensayos.

Jorge Macchi (1963, Buenos Aires). Reside y trabaja en Buenos Aires. Trabaja con las galerías Ruth Benzacar de Buenos Aires, Luisa Strina de San Pablo, Continua de San Gimignano y Peter Kilchmann de Zurich. Realizó exposiciones en el Museo Blanton de Austin, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, The University of Essex, la Pinacoteca do Estado de San Pablo, el Centro de Arte Contemporáneo Inhotim de Belo Horizonte, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes MUHKA.

Participó en importantes eventos artísticos internacionales como las bienales de La Habana (2000), Porto Alegre (2003 y 2007), Estambul (2003), São Paulo (2004) y Venecia (2005). También se destacan el premio Banco de la Nación Argentina (2000) y la beca Guggenheim (2001).

En abril del 2011, prepara una importante retrospectiva en el SMAK de Gent, en Bélgica.
www.jorgemacchi.com


Josep-Maria Martín
Una casa digestiva para un piso patera para lavapiés, con Mouhamadou Bamba Diop, 2009-2010. Instalación. Medidas variables El trabajo de Josep-Maria Martín parte, casi siempre, de una investigación y un proceso participativo con varias personas, generando negociaciones que concluyen en propuestas y, en cada proyecto, una acción común.

Su arte supera el ámbito puramente estético y comercial, proponiendo un desplazamiento desde la estética hacia a la ética. En sus proyectos, el arte es formulado para cambiar la vida.

La mayoría de sus obras son multidisciplinares y, al final, se prestan a ser apropiadas por los diversos participantes. Por ejemplo, lo que para el artista es una pieza de arte, para un trabajador social es un proyecto comunitario y para un arquitecto es un edificio.

Sus obras son multifuncionales y, generalmente, proyectos que se desarrollan a largo plazo. En el marco de Of Bridges & Borders, el artista inició un proyecto titulado El viaje de Bamba, que luego se fue desplegando en varios procesos creativos traducidos a diversos formatos.

Después de meses de investigación y entrevistas, localizó a Mouhamadou Bamba Diop, un senegalés, autor de la historia que figura en la publicación. En el momento del encuentro, Bamba vivía junto a otros 16 compatriotas sin papeles en el barrio de Lavapiés en Madrid. El artista le propuso reflexionar sobre su situación actual y que le contara su vida en Senegal, su viaje en Cayuco y el sueños de todos ellos, que es volver a Kayar para crear un futuro mejor para todo los jóvenes de su ciudad.

Partiendo del viaje de Bamba, en febrero de 2010 desarrolló Una casa digestiva para Lavapiés en el marco de Madrid Abierto 2010. En esta obra, el artista cuestiona el espacio de vida de un piso patera, estableciendo una analogía entre el sistema digestivo y el hogar como organismo que digiere la memoria personal y colectiva.

El proyecto se intensificó y se amplió. Josep-Maria Martín y Bamba fueron a Senegal juntos para grabar videos, entrevistas y una película. Dieron charlas en universidades juntos y lograron hacer de un encuentro un proyecto socio cultural que denuncia los graves problemas migratorios.

En diciembre de 2010, el proyecto toma un formato expositivo y se presenta en el Centro de Arte Santa Mónica, de Barcelona y, en esta oportunidad, en Fundación Proa.

Josep-Maria Martín (1961, Ceuta, España). Reside en Barcelona; trabaja en Barcelona, Perpiñán y Ginebra.

Es artista y profesor de arte en las escuelas de Bellas Artes de Ginebra y Perpiñán. Sus trabajos y proyectos están centrados en crear nuevas estrategias de intervención en ciertas estructuras sociales ya consolidadas.

El artista cuestiona y critica la realidad sobre la cual quiere trabajar. A menudo, sus obras toman formas de proyectos complejos que involucran a muchos sujetos de ámbitos diversos. No trabaja de forma concreta o comercial con galerías, ya que sus obras operan en otros circuitos.

Exhibió proyectos en instituciones y eventos culturales importantes de Europa, Asia, Latinoamérica y Africa, y participó de importantes eventos artísticos internacionales, como la Insite_05, Tijuana/San Diego; Echigo-Tsumari Art Trienal, Niigata, Japón; y Dislocaciones, Santiago de Chile. Realizó varios proyectos de arte público en Japón y España.

www.josep-mariamartin.org/es/index.php
www.madridabierto.com/en/artisticalinterventions/ 2009/josep-maria-martin. html
www.funciona.info/tag/mavi/
www.portaldearte.cl/agenda/ instalacion/2010/josep_maria.html
acvic.org/index.php?option=com_c ontent&view=article&id=186:talle r-de-torolab-raul-cardenas-y-josepmaria- martin&catid=59:exposicionsactuals& Itemid=88


Gianni Motti
Primer Paso en Argentina, 2011. Cemento.
50 x 50 x 15 cm.
Gianni Motti es un artista atípico: “terrorista”, futbolista, político, galerista, mago, “muerto”, psicoanalista, astronauta o telépata. Su obra hace uso de diversos métodos para subvertir la realidad, inyectando en ella interferencias y disturbios.

Motti es, él mismo, el protagonista de la mayoría de sus obras; no es necesariamente un performer que realiza obras en frente de un público, sino que, más bien, las documenta y las traduce como un proceso artístico que a menudo lleva un posicionamiento político.

En general, las trabajos de Motti no son materialistas, es decir, no redundan siempre en la producción de una obra física, si no que a menudo son acciones que realiza en contextos bien precisos y en reacción a acontecimientos previos. Funcionan como acciones directas, que con la ayuda de los medios de comunicación y de la institución, galería o feria que lo invita, logran tener un impacto mayor. Motti interviene en la vida cotidiana. Con ese método, logra superar las fronteras del mundo del arte y hacer una declaración de mayor alcance, interpelando a un público que recibe la noticia sin alerta. Su imaginación lo lleva a realizar obras con un carácter activista y político pero en las que nunca faltan el humor o la ironía.

Motti realizó obras de gran impacto internacional, como fue el caso del jabón Manipulite (2005), hecho con la grasa del primer ministro italiano Silvio Berlusconi, que logró interceptar en la clínica en donde al mandatario se le hacían sus cirugías. En los 80, a través de los medios de comunicación, logró adjudicarse la responsabilidad de varios desastres naturales como eclipses, terremotos y la catástrofe de la explosión de la nave Challenger en 1986.

Otras acciones tienen una orientación más política, desarrollando estrategias de infiltración, elaborando redes paralelas y falseando las reglas de la visibilidad. Por ejemplo, en 1997, en la 53ª sesión de la Comisión de Derechos Humanos de la ONU en Ginebra, Motti se infiltró como representante de Indonesia, tomando el lugar del delegado ausente. Llegado el momento de las resoluciones, sentó posición para el país interviniendo y defendiendo a las minorías étnicas.

En 1995, logró infiltrarse en un partido del Neuchâtel Xamax, un equipo de la primera división del fútbol suizo para el primer partido de la temporada.

Entró a la cancha y, frente a 11 mil espectadores y las cámaras de TV, tocó un par de veces la pelota, en mocasines, antes de volver al banco con el resto de los suplentes del Xamax.

En 1997, Motti viajó a Colombia y declaró a través de los medios de comunicación que iba a forzar la renuncia del presidente Samper telepáticamente, teniendo que dejar el país ante las amenazas recibidas.

En 2005, al momento de las famosas torturas de los presos de Abu Ghraib, Motti se presentó en la gradas VIP del la semifinal del Roland Garros, en donde se celebraba el encuentro entre Tim Henman y Guillermo Coria, en París, y coincidiendo el partido con la visita de Bush para el 60º aniversario del desembarco de Normandía.

Allí lo registraron entonces los medios, sentado, mirando los primeros 20 minutos del encuentro con una bolsa de papel en la cabeza, como signo de protesta pacífica en contra de las torturas. Se pudo ver a Motti en televisión en todo el mundo hasta que la seguridad del estadio notó su presencia y le pidió que abandonara la acción.

En 2005, realizó Higgs, al la recherche del Anti Motti y logró acceder al túnel acelerador de partículas más potente del mundo, el túnel LHC, donde las partículas están propulsadas a la velocidad de la luz en un círculo bajo tierra de 27 kilómetros, que se ubica en la frontera entre Francia y Suiza.

En esa ocasión, Motti realizó un tour completo, caminando durante 5:50 horas, documentando la performance con video, ejecutando el mayor travelling de la historia sobre una persona, y generando la búsqueda de su propia persona.

En resumen, Motti no se sumerge en el mundo del arte: trabaja desde afuera, haciendo uso del arte como método para percibir el mundo.

Invitado a la exhibición Of Bridges & Borders en Fundación Proa, el artista advierte que nunca antes estuvo en la Argentina y decide entonces crear una obra especial: Primer Paso en Argentina (2011), que abre la exposición. Motti pretende inmortalizar el primer paso efectuado en territorio argentino, haciendo evidente referencia a Armstrong al pisar la Luna durante la misión del Apolo 11.

A su llegada al aeropuerto, realiza un molde de su pisada en el momento en el que toca suelo argentino. La huella se exhibe en Proa y queda para siempre en Argentina. Muchos artistas han realizado obras sobre el “hombre que camina” (desde Auguste Rodin a Alberto Giacometti). Aquí no se trata más del hombre que camina, sino del hombre que “ha caminado” –una especie de escultura de la performance–.

El trazo está aquí, el espíritu también, pero el cuerpo en otro lugar. El lugar es, actualmente, una organización de tensiones, de aperturas, de pasajes y de barreras, de límites y de extensiones, al interior de los cuales se articulan el vacío y lo lleno, y que el artista hace percibir al espectador a través de su vivencia corporal.

Primer Paso en Argentina, pero también trazo del artista sobre la tierra.

Gianni Motti (1958, Italia) Reside y trabaja en Ginebra, Suiza. Trabaja con las galerías Nicolas van Senger de Zurich y Cosmic Gallery de París. Participó en importantes eventos internacionales, como las bienales de Venecia (2005), Moscú (2007) y Busan, Corea (2002).

www.bugadacargnel.com/en/pages/ artistes.php?name=giannimotti
www.frieze.com/issue/review/gianni_ motti
www.migrosmuseum.ch/en/ exhibitions/exhibition-details/?tx_ museumplus[exhib]=82
www.cac-synagoguedelme.org/presse/ motti/PK_Motti.pdf
www.kunstaspekte.de/index. php?tid=63982&action=termin


Of Bridges and Borders
A partir del 22 de enero de 2011

Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929
La Boca, Caminito
[C1169AAD] Buenos Aires
Argentina
T [54.11] 4104.1000
Más información: www.proa.org/esp/

Fuente: Prensa PROA

 

 

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