Miércoles, 18 de Octubre de 2017

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Xcèntric: cine experimental, de ensayo y documental creativo

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Crece más allá del Auditorio del CCCB con el Archivo Xcèntric y el primer programa itinerante

El CCCB presenta la séptima temporada de Xcèntric, el programa audiovisual estable dedicado al cine experimental, de ensayo y al documental creativo. Pero con el nuevo año, Xcèntric se expande más allá de nuestra sala de proyecciones.

Así reabrimos el Arxiu Xcèntric en un nuevo espacio en la 2ª planta del CCCB para el primer archivo digital de cine experimental y documental de nuestro país. Más de 500 títulos de películas de todas la épocas a consulta pública y gratuita de manera individual o colectiva.

Y las proyecciones de Xcèntric salen del auditorio del CCCB hacia otros centros con el programa itinerante ‘El cine piensa el arte: itinerarios por los procesos creativos’. Un primer programa itinerante de cuatro sesiones que se centra en la relación del cine con el propio medio, la fotografía y la pintura.

Cada jueves y domingo, en el CCCB, el ciclo Xcèntric continúa apostando por el cine experimental, ensayo y documental creativo a través de las secciones habituales: Cine invisible (experimental), Variaciones del Real (documental), Rescrits (ensayo) y Monográficos (de temas o autores).

Programacón día a día –diciembre 07 a enero 08-
Domingo 23 de diciembre, 18.30 h

Curadores
Jonas Mekas

Iniciamos la séptima temporada de Xcèntric con Jonas Mekas, uno de los cineastas presentes en nuestra programación con justificada intermitencia. En esta ocasión, no mostramos su obra fílmica sino la tarea realizada en los Anthology Film Archives. Los jóvenes Sarah Payton y Chris Teerink retratan con frescura al octogenario patriarca del New American Cinema al mismo tiempo que muestran la singularidad de unos archivos que no sólo han preservado sino que también han divulgado la obra de algunos de los principales cineastas experimentales de nuestro tiempo.

In the shadow of the light, Sarah Payton y Chris Teerink, Holanda, 2007. 93’, vídeo
* V.O.S.E

Jueves 27 de diciembre, 20.30 h
Curadores
Nikolai Izvolov. El arte de la reconstrucción

Nikolai Izvolov (Kostroma, Rusia, 1962)- historiador e investigador cinematográfico. Durante la década de 1990 desarrolló un método innovador para la reconstrucción de películas y lo aplicó a los trabajos de Dziga Vertov, Aleksandr Medvedkin, Lev Kuleshov, etc...Combinando una meticulosa investigación científica con un montaje creativo, Izvolov dirigió un gran número de reconstrucciones de las primeras obras maestras rusas que se consideraban perdidas para siempre. Nikolai Izvolov es el autor del reconocido libro Phenomenon of Film. History and Theory; también ha colaborado en varios proyectos de películas y documentales, incluyendo la biografía de Aleksandr Medvedkin que hizo Chris Marker (The Last Bolshevik). Está al frente del departamento de Historia del Cine Ruso en el Instituto de Arte Cinematográfico de Moscú, donde actualmente desarrolla un nuevo método digital de comentario de películas conocido como “HYPERKINO”.

Alcoholism and its ill-effects, Khanzhonkov Studios, Rusia, 1913. 6’, vídeo
Dokhunda, Lev Kuleshov, Rusia, 1936. 60’, vídeo

Domingo 30 de diciembre, 18.30 h
Curadores
Henri Langlois

En sus primeras cuatro décadas en el cine faltaba memoria, ya que la vida de una película estaba limitada a su tiempo en cartelera. Además, la fragilidad física del soporte se encargó de que esa desaparición fuese real en muchísimos casos. Las películas de esta sesión presentan dos armas que combatieron aquella volatilidad: la arqueología mediática y la aparición de las filmotecas. En The Film of Her se recuerda el afortunado rescate de cientos de películas del taller de Edison el mismo día en que se dirigían al vertedero.
Le Fantôme d’Henri Langlois se centra tanto en la figura del célebre y polémico cinéfilo, como en la revolución que supuso recuperar y poder volver a ver títulos del pasado.

A Film of Her
, Bill Morrison, USA / Italia, 1996. 12’, 35 mm
Le Fantôme d’Henri Langlois, Jacques Richard, Francia, 2004. 210’, vídeo * V.O.S.E.

Jueves 10 de enero, 20.30 h

Cine Invisible
Eugeni Bonet, médium “val-del-omariano”
Con la presencia de Eugeni Bonet y Gonzalo Sáenz de Buruaga.

Presentamos una obra primeriza de José Val del Omar (1904-1982), realizada antes de su conocido y monumental Tríptico elemental de España. En ella ya podemos entrever características que lo acompañaran a lo largo de su trayectoria de “creyente del cine”, como sugirió él mismo.
Eugeni Bonet, en Tira tu reloj al agua, ha sabido impregnarse de la filosofía del gran maestro para hacerle de médium. Bonet, sin guión y sólo a partir de material del mismo Val del Omar, ha construido magistralmente una nueva obra llena de misticismo y de los elementos del mejor y más influyente cine experimental, sin dejar de lado las nuevas herramientas tecnológicas. En el subtítulo Variaciones sobre una cinegrafía intuida de José Val del Omar, encontramos el vértice y vórtice de toda su filmografía.

Vibración de Granada, José Val del Omar, Espanya, 1935. 20’, vídeo
Tira tu reloj al agua (Variaciones sobre una cinegrafía intuida de José Val del Omar), Eugeni Bonet, España, 2003-2004. 91’, 35 mm

Domingo 13 de enero, 18.30h

Variaciones del real
Santiago Álvarez: revoluciones del montaje


Santiago Álvarez transformó, en estado de urgencia y rabia –“mi estilo es el odio al imperialismo”-, los noticiarios de la revolución cubana en innovadores montajes que, entre el lirismo, el collage, la propaganda y la ferocidad de los documentos y archivos (Luther King, J.F. Kennedy, Castro, Ho Chi Minh) enseñan la historia del imperialismo norteamericano que nadie mostraba: Vietnam, las luchas por los derechos civiles... La intensidad de su cine es la de la revolución: muy admirado por Godard, Álvarez sabía, como Vertov, que para mostrar las ideas revolucionarias era preciso revolucionar el cine.

Now, Santiago Álvarez, República de Cuba, 1965. 6’, 35 mm
Hasta la victoria siempre, Santiago Álvarez, República de Cuba, 1967. 20’, 35 mm
Hanoi, martes 13. Santiago Álvarez, República de Cuba, 1967. 34’, 35 mm
79 primaveras, Santiago Álvarez, República de Cuba, 1969. 20’, 35 mm
LBJ, Santiago Álvarez, República de Cuba, 1968. 18’, 35 mm

Jueves 17 de enero, 20.30h

Cine Invisible
Miranda Pennell/John Smith
Con la presencia de los autores


La complicidad de la pareja M. Pennell y John Smith establece un fluido diálogo lleno de ironía y de humor que se refleja en su obra. Con una gran técnica en la narración, composición, cromática, coreografía, sentido del ritmo y un prodigioso montaje, hacen que las fronteras entre la vídeo-creación, la vídeo-danza y el audiovisual experimental no existan.
El conjunto de las obras aquí reunidas tienen como nexo común la falta de diálogos –aunque gran parte de la filmografía de Smith se centre en la palabra-, y el ritmo, ya sea coreográfico o de montaje, y está inundado de virtuosismo y de humor.

Blight, John Smith, Reino Unido, 1994-1996. 14’, vídeo
You made me love you, Miranda Pennell, Reino Unido, 2005. 4’, vídeo
The kiss, John Smith & Ian Bourn, Reino Unido, 1999. 5’, vídeo
Fisticuffs, Miranda Pennell, Reino Unido, 2004. 11’, vídeo
OM, John Smith, Reino Unido, 1986. 4’, vídeo
Tatoo, Miranda Pennell, Reino Unido, 2001. 9’, vídeo
Gargantuan, John Smith, Reino Unido, 1992. 1’ 30’’, vídeo
Drum Room, Miranda Pennell, Reino Unido, 2007. 15’, vídeo
Lost Sound, John Smith & Graeme Miller, Reino Unido, 1998-2001. 28’, vídeo

Domingo 20 de enero, 18.30h

Rescritos
James Benning: historias del paisaje


Desconocido en nuestro país, James Benning es uno de los grandes cineastas del cine independiente americano de los últimos treinta años. Sus casi treinta films descubren una búsqueda constante: de las relaciones entre sonido e imagen, de los paisajes, de la potencia cartográfica del cine. En 1977 Benning filmó en 60 planos el decadente paisaje urbano industrial de Milwaukee, su ciudad natal. 27 años después filma, con un rigor formal extraordinario, los supuestos mismos planos: lo que vemos –a través de los colores, los edificios, la gente- es la transformación de los Estados Unidos.

One way Boogie Woogie / 27 years later, James Benning, USA, 1977-2004. 120’, 16mm.

Jueves 24 de enero, 20.30h

Rescritos
Guerin: apuntes de viajes y retratos


Durante tres años y con una pequeña cámara de vídeo, Guerin fue grabando a lo largo de sus viajes una serie de apuntes filmados que han dado forma a Unas fotos en la ciudad de Sylvia, una película sin equivalentes: muda, en blanco y negro, con imágenes fijas y la escritura en primera persona del cineasta. Es un misterioso y lírico ensayo sobre el retrato femenino y el tiempo en fuga, y una exploración de las herramientas digitales que redescubren la filmación, el montaje y las posibilidades del cine.

Unas fotos en la ciudad de Sylvia, José Luis Guerin, España, 2007. 70’, vídeo.

Domingo 27 de enero, 18.30h

Cine Invisible
Mercado de imágenes.
Con la presencia del autor.


Sesión dedicada a David Reznak, autor y activista cultural. Su compromiso no se detiene con la construcción de su filmografía, sino que lo fortalece como responsable, desde 1999, de la ya mítica sala independiente de Madrid “La Enana Marrón”.

Las cuatro obras que se muestran avanzan muchas de las características formales de su modo de ver y entender la vida, así como su personal estilo de producción y realización. Su primer largometraje-documental, La Osa mayor menos dos, ha sido premiado en diferentes festivales.

A escala del hombre, David Reznak, España, 1992. 10’, 16 mm
Al por mayor, David Reznak, España, 1994. 6’, 16 mm
El pueblo protagonista y espectador, David Reznak, España, 1995. 30’, 16 mm
Como anochece amanece, David Reznak, España, 1996. 10’, 16 mm

Programadores

Directora
Carolina López

Programadores habituales
Núria Aidelman, Núria Esquerra, Laida Lertxundi, Gonzalo de Lucas y Antoni Pinent

Programadores invitados
Andreas Wutz, Carles Guerra, Maria Baker, Andrés Hispano

ARXIU XCÈNTRIC
El archivo digital de cine del CCCB


Más de 500 títulos a consulta pública y gratuita de manera individual o colectiva. Un archivo moderno con películas de todas las épocas de cine experimental, de ensayo y documental. Es el primer archivo a España de estas características.

Contenidos
El contenido del Archivo Xcèntric es un reflejo de la programación de Xcèntric, el Cine del CCCB. Películas de Peggy Ahwesh, Martin Arnold, Stan Brakhage, Abigail Child, Stephen Dwoskin, Harun Farocki, Oskar Fischinger, Jean Genet, Jean-Luc Godard, Kurt Kren, Malcom Le Grice, Len Lye, Mara Mattuschka, Jonas Mekas, Norman McLaren, Werner Nekes, David Perlov, Jürgen Reble, Hans Richter, Paul Sharits, Alexander Sokurov, Peter Tscherkassky, José Val del Omar, Johan van der Keuken, entre otros autores. Nuevas adquisiciones: la obra íntegra de Norman McLaren, las películas de los años 70 de Chantal Akerman y una selección de la obra reciente de John Smith.

Un archivo vivo
Desde su creación dentro de la exposición ‘That’s Not Entertainment’, el cine responde al cine’ (CCCB, Barcelona, diciembre, 2005), el archivo Xcèntric se ha ido ampliando des de sus 300 títulos iniciales a los 570 actuales. Este año inauguramos un nuevo espacio más grande y cómodo que el anterior. Una interfície hecha a medida permite la consulta por autores, títulos, países, años y temas. Piezas íntegras y información adicional sobre las películas y sus autores.

El archivo Xcèntric se puede consultar exclusivamente al CCCB en horario de exposiciones (de martes a domingos de 11 a 20 horas)

Consultar los títulos disponibles en: http://www.cccb.org/ca/arxiu_xcentric

XCÈNTRIC, el cine piensa el arte
Programa itinerante en 4 sesiones

Después de siete temporadas y unos 300 programas originales, Xcèntric sale del auditorio del CCCB con el ciclo El cine piensa el arte: itinerarios por los procesos creativos. Este primer programa itinerante se centra en la relación del cine con la fotografía y la pintura.

El cine piensa el arte explora la intimidad de los procesos creativos (cineastas rodando, pintores en su taller) e indaga en los interrogantes del cine al arte, y del arte al cine. Porque del mismo modo que el cine descubre otras vías y formas al acercarse al arte (ensayos, diarios, retratos, experimentación formal), el cine se reinventa cada vez que un artista lo hace suyo.

Sesiones

El film en proceso
Un diálogo entre dos filmes en proceso, que giran alrededor de películas imaginarias, divagan sobre la preparación del rodaje o la tarea del montaje, y exploran las propias imágenes.

De la fotografía
El cine encuentra en la fotografía un espacio de diálogo, estímulo y ensayo sobre sus posibilidades.

De la pintura: el taller del artistas
El cine como forma privilegiada para descubrir y preservar la memoria de los gestos del pintor.
Con películas de Francesc Català Roca (Miró) , Andrés Hispano (Tàpies) , François Campaux (Matisse), Hans Namuth (Pollock), Pierre Koralnik (Bacon), André Delvaux y Stan Brakhage.

Home movies: (auto)retratos de artistas
Filmes de taller a la vez que “home movies”. Retratos de René Magritte, Man Ray, Jean Cocteau, Andy Warhol y Jonas Mekas.

El film en proceso

El cine pensándose: esbozando y ensayando sus posibilidades. La invención poética, el rigor y la curiosidad teórica acompañan a Godard y Pasolini en su búsqueda de otros “modos de ver”: de forma muy particular, en sus películas ensayísticas, en las que se interrogan sobre la creación y hacen emerger las materias del cine que las obras “acabadas” suelen ocultar. Un diálogo entre dos filmes en proceso, que giran alrededor de películas imaginarias, divagan sobre la preparación del rodaje o la tarea del montaje, y exploran las propias imágenes. Lejos de la concepción industrial de las películas como obras finitas, hacen el elogio del cine como escritura abierta a las vacilaciones y tentativas.

Sopralluoghi in Palestina per "Il Vangelo secondo Matteo", Pier Paolo Pasolini, 1963-64, 52', vídeo
A modo de cuaderno de notas para “El evangelio según San Mateo”, Pasolini realizó este filme de viaje: quería localizar paisajes de Palestina, cuerpos y rostros, que revelasen un mundo arcaico y preindustrial. Es la búsqueda de un mundo desaparecido y de nuevas formas para filmar los textos bíblicos.

Scénario du film "Passion", Jean-Luc Godard, 1982, 54', vídeo

En su mesa de montaje, Godard “toca” el cine: lo interpreta, piensa, moldea, investiga, busca sus ritmos y su música, y trata de reconstituir cómo las imágenes se forman y el cine vive.

De la fotografía
El cine encuentra en la fotografía un espacio de diálogo, estímulo y ensayo sobre sus posibilidades. Cine y fotografía trazan una experiencia común, la del artista y las imágenes, pero deben contemplarse mutuamente y a la vez como procesos diversos para reconocer sus potencialidades: la invención del tiempo, el trabajo de la duración, la forma de articular en imágenes (y sonidos) el pensamiento.

Intermittences non regulées de Etienne-Jules Marey, Jean-Michel Bouhours, 1978, 14', 16 mm
La descomposición y la ilusión del movimiento a través de las imágenes fijas no son tanto una forma “pre-cinematográfica” como un modo de renovar el cine o de redescubrirlo en los trayectos que no ha desarrollado.

Conversations in Vermont, Robert Frank, 1969, 26', vídeo

“Los filmes que he hecho son mapas de mi viaje por esta… vida. Se comienza con un “bloque de esbozos-tomas”. No hay guión, sólo intuición. Realizando películas continúo observando a mi alrededor, pero ya no soy el observador solitario que se desvía justo después del clic del obturador. ¡No hay instante decisivo! Hay que crearlo”. (Robert Frank).

Six fois deux/ Sur et sous la communication, Jean-Luc Godard & Anne Marie Miéville, 1977, 46', vídeo
De cómo las imágenes (detenidas o en fugaz ilusión de movimiento) fabrican ideas e ideologías. Godard y Miéville prosiguen su labor científica sobre la interpretación y el análisis de lo visual.

Wavelenght, Michael Snow, 1966-67, 45’, 16 mm

Un filme que nos lleva a los límites y extremos de la imagen (el encuadre, la duración, lo real y la ficción, los deseos y enigmas, el tiempo contenido y desbordado): “quería expresar mi sistema nervioso, mis dudas religiosas y mis ideas estéticas” (Michael Snow)

New York, N.Y, Raymond Depardon, 1996, 10’, vídeo

Raymond Depardon abandona el proyecto de realizar un largometraje en Nueva York, pero durante dos meses rueda cada día cuatro minutos de filme en la ciudad. Un viaje misterioso sobre lo real y la plástica de “ficción” del paisaje de Nueva York.

De la pintura: el taller del artista
El cine es una forma privilegiada para descubrir y preservar la memoria de los gestos del pintor. En la primera parte asistimos a la creación en el taller, al trabajo del artista, a su relación (física y material) con la obra. Son manos, miradas y trazos de grandes pintores: Matisse, Miró, Pollock, Bacon y Tàpies. Llegados a la abstracción, en el centro del programa, un cineasta, Stan Brakhage, pinta sobre la película. Y en la segunda parte, son artistas-cineastas los que, por encargo de los nuevos mecenas (la televisión y el MoMa) trazan una reflexión sobre el arte: ensayos sobre lo que el arte es y puede.

1a parte
Henri Matisse, François Campaux, 1946, fragmentos (10’), vídeo

En 1946, ocho años antes de su muerte, Matisse retrata a su nieto y a una modelo: certezas y vacilaciones del trazo, la obra haciéndose.

Miró 73. Toiles Brulees
, Francesc Català-Roca, 1973, 16 mm
El fotógrafo Francesc Català-Roca realizó varias piezas en color sobre Miró en el taller. En esta asistimos al enigmático proceso de creación y destrucción de las “telas quemadas”

Jackson Pollock
, Hans Namuth, Paul Falkenberg,1951, 10’, 16 mm

En exterior e interior, Pollock pinta, “dripping”. Pintura, color, campo, manos, y el cuerpo suspendido del artista en acción. La pintura se hace al mismo tiempo que la película.

Francis Bacon, peintre anglais, Pierre Koralnik, 1971, 26’, 16 mm

En la intimidad de su taller y con elocuencia etílica, Bacon reflexiona sobre la belleza masculina y los pintores admirados. La cámara, desde muy cerca, sigue los constantes vaivenes de su cuerpo y su discurso en un sobrecogedor documento.

Antoni Tàpies, Andrés Hispano, 1997, 3’, vídeo

Un rostro, un perfil, unas manos, junto a su obra. Tapies no pinta, sino que el film -en granulado super-8 blanco y negro- traza su retrato.

Hand-painted films, Stan Brakhage, 16mm.
Night Music, 1986, 30’’
Three Homerics (For Barbara Feldman), 1993, 4’30’
Stellar, 1993, 2’
Naughts, 1994, 4’30’’

En los últimos años de su vida, Stan Brakhage emprendió una fascinante serie de filmes en los que pinta sobre la película, y hace palpitar (plástica, cromática, rítmicamente) las materias del cine con las figuras y formas que traza la mano.

2a parte
Met Dieric Bouts
, André Delvaux, 1975, 30’, vídeo

Al encargo de retratar al pintor del siglo XV, Delvaux responde trazando una línea paralela entre su encargo y el de La última cena, entre el trabajo del cineasta –en los planos y el montaje- y el del pintor. Una reflexión sobre los procesos (financieros y artísticos) que subyacen en la creación artística.
The Old Place, Jean-Luc Godard i Anne-Marie Miéville, 48’, vídeo
En un diálogo a dos, Godard y Miéville comparten una emocionada elegía sobre las derrotas y potencias del arte del siglo XX. Un canto a lo que resiste y los que resisten.

Home movies: (auto)retratos de artistas

De cómo los artistas se apropian del soporte cinematográfico para explorar el arte y retratar su intimidad (familiares y amigos); de cómo los cineastas, despojados de cualquier artificio o maquinaria pesada, filmando solos, en intimidad con su medio, retratan su mundo, filman como pintores y ensayan sobre el arte. Filmes de taller a la vez que “home movies”.

1a parte
La Fidelité des Images, René Magritte, 1946, 27', vídeo

Apasionado por el cine mudo, en 1956 Magritte compró una cámara 8 milímetros y realizó junto a un grupo de amigos una serie de pequeños filmes en color: enigmáticos, intrigantes, surrealistas, misteriosos; juegos de máscaras y referencias a sus obras.

Homes Movies, Man Ray, vídeo
L'atelier du Val de Grâce, 1935, 1'45''
La Garoupe, 1937, 8' 52''
Ady, 1936-37, 49''
Juliet, 1940-1951, 3'14''


Excepto “La Garoupe”, retrato de amigos (Picasso, Eluard, Lee Miller, Dora Maar) en color, Man Ray mantuvo inéditas las otras piezas: retratos o esbozos de modelos y amantes. Son bellísimas películas “familiares” al tiempo que notas sobre la luz, las línieas, los cuerpos, la fotografía.

La Villa Santo-Sospir, Jean Cocteau, 1952, 36', vídeo

Después de sus películas más suntuosas y “profesionales”, Cocteau realizó, en 16mm color, un ensayo sobre la creación, el cine y la pintura, y sus lugares. Al igual que los muros de la casa son testigo del gesto de Cocteau pintor, el “film amateur” revela la tarea del cineasta.

2a parte
EPI Background. Original Salvador Dalí, Andy Warhol, 16mm
ST. Salvador Dalí, 1966
ST. Nico, 1966

En continuidad con sus series de retratos fotográficos, entre 1964 y 1966 Warhol realizó sus retratos filmados, pruebas de cámara de amigos y prójimos. El retrato de una generación y de un artista.

Anthropological Sketches, Scenes From the Life of Andy Warhol: "Friendships and Intersections", Jonas Mekas, 1963-90, 37', 16mm
Esbozo de un retrato de amistad (con Andy Warhol). Del material rodado en tiempo de vacaciones (con los niños Kennedy y otros amigos), Mekas montó, treinta años después, un cántico de su amistad con Andy Warhol y los días compartidos junto al mar.

Del 23 de diciembre de 2007 al 27 de enero de 2008

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB)
Montalegre, 5. 08001 Barcelona
Tel. +34.933.064.100
www.cccb.org
www.cccb.org/xcentric/esp/homeg.htm

Fuente: Prensa del CCCB

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